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O design gráfico é uma disciplina em fluxo. A tecnologia influencia a estética e o impacto da estética na forma. Em última análise, ideias de todos os tipos - comerciais, filosóficas ou funcionais - determinaram a prática e os estilos do design gráfico.Neste artigo, nos concentramos em três das principais ideias para moldar o design gráfico como ele é hoje.
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01. Movimento
O movimento é o método de crescimento mais rápido. Uma nova disciplina emergiu no cruzamento das sequências de filmes, vídeos, animações e títulos de filmes, que toma emprestado de tudo isso. Os gráficos em movimento podem ser tão importantes quanto a tipografia. Os visuais de canto e dança são para o design gráfico o que os filmes falados foram para os filmes mudos.
A sequência do título de Kyle Cooper para Seven (vista acima) é um dos exemplos mais prolíficos de gráficos em movimento modernos.
02. Áudio
A adição de áudio, mais do que movimento, impulsiona o design gráfico para essa dimensão. Os primeiros experimentos com o que já foi chamado de "música dos olhos" coincidiram com o cinema sonoro em meados da década de 1920. Os gráficos de movimento ganharam destaque na década de 1960 com sequências de títulos de filmes de Saul Bass. Ele criou para Alfred Hitchcock uma série de títulos de filmes semi-abstratos e um estilo gráfico expressionista que estava em perfeita sincronia com os motivos repetitivos das partituras do compositor Bernard Herrmann. Hoje, mais estilos gráficos animados híbridos estão surgindo.
Todas as formas de design indicam pontualidade. Nesse sentido, a segunda das ideias-chave, “obsolescência forçada”, é essencial para sinalizar um verniz contemporâneo. Na década de 1920, era chamada de “engenharia de estilo”: para aumentar o interesse do consumidor, tornando os produtos mais estilosos. O publicitário e pioneiro do design industrial Raymond Loewy referiu-se a essa noção como MAYA (Most Advanced Yet Acceptable). O princípio MAYA promovia cores e formas que transmitiam a ideia de “novo e melhorado”, mas era uma rede de segurança para evitar o choque do novo.
Para a maioria dos designers norte-americanos, o modernismo era um conjunto de truques que o artista poderia usar para tornar o novo ainda mais novo, incluindo "decoração" futurística acentuada por fontes contemporâneas com nomes atraentes como Cubist Bold e Novel Gothic. A obsolescência forçada era um traje que estimulava artificialmente o crescimento.
03. Cor
A terceira ideia é a vibração da cor. Em meados da década de 1960, o estilo psicodélico começou com o artista Bauhausler Josef Albers. Por meio de seu trabalho Interaction of Color, ele ajudou a lançar a tendência que tipificaria os conceitos gráficos de pôster psicodélico e tie-dye. Victor Moscoso, que estudou com Albers em Yale e foi um dos fundadores da cor vibrante, afirmou que comparou os famosos exercícios de papel colorido de Albers com a futilidade de aprender álgebra no colégio.
Os psicodélicos destruíram e reafirmaram as regras. 'Não use cores vibrantes', por exemplo, tornou-se 'use-as sempre que em excesso'. O princípio de que 'as letras devem ser sempre legíveis' tornou-se 'disfarçar as letras, dificultar a leitura'.
Um elemento significativo da teoria de Albers era a relatividade da cor: que a cor muda em relação direta com o ambiente. A cor produzia efeitos enganosos e imprevisíveis, com várias leituras do mesmo matiz possíveis, dependendo das cores ao seu redor. A vibração da cor era uma afronta aos sentidos, forçando o observador a uma relação cinética e dinâmica com a superfície da imagem bidimensional. A vibração da cor é agora uma das muitas ferramentas do kit do colorista. Saiba mais sobre a teoria das cores aqui.
Estas são três das 100 ideias que mudaram o design gráfico. Sem dúvida, haverá mais mudanças no futuro. Plus ça change!
Steven Heller é autor de uma ampla gama de publicações de design gráfico, saiba mais aqui.
Este artigo foi publicado originalmente na edição 294 da Artes da Computação, a revista de design mais vendida do mundo. Compre a edição 294 ou inscreva-se aqui.
